“Bestia del fin de los tiempos”

© Álvaro Sánchez 2015

 

Colaboradores de este número.

Lídia Porcar

Artista visual, pedagoga y activista artística. Tiene una larga trayectoria en el campo de las artes visuales. Actualmente dirige “El laboratori del paisatge” en la EADR. 

lidiaporcar@gmail.com

Tomás Pariente 

Tomás Paiente, artista gráfico, estampador i  co-editor de Gráficas del Sur, licenciado en BBAA por la UB, con taller en Barcelona desde 1999.

www.tomaspariente.net

Ilustración en: Oblidant l'Apocalipsi.

Álvaro Sánchez

Artista gráfico autodidacta radicado en la ciudad de Guatemala, ha colaborado y publicado con revistas de arte y diseño de todo el mundo. Su obra ha sido expuesta en países como Italia, Francia, Alemania, España, EE.UU., Costa Rica, Ucrania, Suecia, Noruega,Grecia y la ciudad de Guatemala, entre otros. Su trabajo se basa en el collage digital y manual. Su gusto por material vintage, elementos de época y orgánicos son de gran relevancia para crear sus texturas y formas. La mayoría de sus obras están inspiradas en la literatura, pintura, música y el cine pero su inspiración principal es la ciudad de Guatemala, y sus calles.

www.redbubble.com/people/sanchezisdead

Juan Carlos Lozano

Artista visual y co-director de La Grey. Sus trabajos se desarrollan de forma multidiciplinar.

jcrlslozano@gmail.com

Paco Soriano

Fotógrafo autodidacta. 

https://500px.com/pakox5x

Rubén Perdomo

Fotógrafo, diplomado en Imagen y Sonido, ha trabajado como freelance en el mundo audiovisual –video, cine y diseño gráfico- y en diferentes cadenas de televisión como la Televisión Pública de Cataluña, Antena3, CNN entre otras. También ha estado involucrado en el mundo de la publicidad como director de fotografía.

http://rubenperdomo.com

Rosa Brugat

Artista multidisciplinar. Sus trabajos conjugan intimismo y crítica social algunos de ellos de género. Utilizando un lenguaje con grandes dosis de ironía. Sin que por ello deje de interesarle principalmente bucear en el interior del alma.

rosa.brugat@gmail.com

www.brugatrosa.com

https://vimeo.com/user6127984

Dani Serrano Montoro

Estudiante de filosofía. Vive y trabaja en Tarragona.

daniel6tgn1992@gmail.com

Marcel Pey

Marcel Pey ha definit un univers artístic experimental, basat en la combinació de diverses disciplines -poesia, fotografia, cinema...- que té en l’avanguardisme el seu pilar fonamental. Des d’un posat trencador i provocador, assoleix efectes devastadors amb un llenguatge innovador en constant canvi, fruit del caràcter camaleònic que domina i que fomenta un perfil mutagènic en evolució. Configura un marc fantasmagòric i angoixant que mostra una realitat transvestida, mutilada i fraccionada en espai i temps, de manera que la dualitat bellesa/perversitat hi és present en tot moment, conformant una integritat híbrida

http://marcelpey.wixsite.com/screaming

 

 

Artículo: Out of time.

Àngel Pomerol

Artista multidisciplinar, eterno principiante.

angelpomerol@gmail.com

Poema objeto: Empapado por fuera

Isabel León

Artista, dinamizadora cultural independiente y docente. Licenciada en BBAA por la Universidad Politécnica de Valencia y Master Oficial en Producción e Investigación en Arte de la Universidad de Granada. Su obra ha evolucionado desde la fotografía y el vídeo al arte de acción, práctica a la que se dedica desde el 2007 casi de manera exclusiva.

www.isabelleon.com

Antonio Luque

Artista visual y co-director de La Grey. En sus obras explora la manipulación de los medios de información. 

www.antonioluqueavila.com

Eva Jolis

Diseñadora gráfica fundadora de Unicum. Desde Unicum trabaja para comunicar, con el diseño, emociones y conseguir que el resultado sea único y deseable.

www.unicum.co

Jorge Manilla

Hijo de una familia de orfebres y grabadores mexicanos, estudió artes visuales en la Academia de San Carlos, en México. Estúdia joyería en la Academia de Artesanía y Diseño del Instituto Mexicano de BB AA. A partir de su traslado a Bélgica, donde se inscribió en el Karel de la Academia Grote en Amberes, cuando inícia una importante investigación acerca de la el significado cultural de joyas, sus posibilidades conceptuales y la experimentación con materiales y técnicas.

www.jorgemanilla.com

Pere Español

Pintor autodidacta. 

pereespanyol@gmail.com

Articulo: a, b

Sara Berga

Activista, proconsciente, multidisciplinar. Trabaja y lucha para aportar un poco de luz a su sombra interior y así poner su granito de arena para obtener un mundo un poco más humano.

sarabergacabello@gmail.com

http://homehard.tumblr.com

www.saraberga.com

Anna Solé

Licenciada en psicología y magisterio. Acoge a P L en Tarragona desde el 2011. Embajadora de la no-violencia por el mundo y viajera empedernida. Estudia fotografía en EADT.

sol.anna7@gmail.com

Fotografía en: Hoy ya nadie vive en mí

Víctor de Miután

Víctor, intenta averiguar qué significa ser humano mediante el arte, el misticismo, la psicología y el ocultismo. Todavía no lo ha conseguido, pero nos informará en cuanto sepa algo.

http://demiutan.com

 

A LA ESPERA DEL FIN DEL MUNDO

 

Quiero recordar en esta editorial el poema de Sara Teasdale, “Vendrán lluvias suaves” escrito originariamente en 1918: 

 

Vendrán lluvias suaves y olores de la tierra,

y golondrinas que girarán con brillante sonido;

y ranas que cantarán de noche en los estanques 

y ciruelos de tembloroso blanco,

y petirrojos que vestirán plumas de fuego

y silbarán en los alambres de las cercas;

y nadie sabrá nada de la guerra,

a nadie le interesará que haya terminado.

A nadie le importará, ni a los pájaros ni a los árboles, 

si la humanidad se destruye totalmente;

y la misma primavera, al despertarse al alba

apenas sabrá que hemos desaparecido.

 

Ray Bradbury lo recogía en su libro “Martians Chronicles”, y le ponía el mismo título que el poema al penúltimo capítulo del mismo. 

 

En los últimos años, por lo menos, el tiempo que yo he vivido, hemos esperado cuatro finales del mundo, y al final todo ha quedado en aguas de borrajas. La agonía para la humanidad se hace larga y angustiosa, esperando un desenlace de su película que nunca llega. 

 

Pero aparte de pensar en el cataclismo mundial que acabe con nuestra raza, creo que solo la humanidad piensa en ello, cada día vivimos el exterminio de millones de seres, sin que nuestros ojos apenas lo perciban. Por eso he empezado con el poema de Sara Teasdale, porque cuando nosotros desaparezcamos, ningún ser que quede sobre la tierra, pensará siquiera que hemos estado en ella. 

 

Quizás sea un buen momento de comenzar a trabajar en pequeños apocalipsis personales, resets, desconexiones... La cultura del fin de la humanidad se ha institucionalizado, el miedo se ha instaurado en nuestras sociedades, y quizás solo así, desde nuestro pequeño espacio doméstico, quiero creer que no domesticado, podamos hacer un Apocalipsis como Dios manda a nuestra sociedad de zombis, de abusadores, de victimarios, de controladores, de explotadores... Desde aquí querría pedir que todo se acabase YA, al final ya llevamos demasiados siglos con la misma agonía.

 

Antonio Luque

Oblidant l'Apocalipsi.

Lídia Porcar

 

La miniatura enquadrada en el marc de núvols estilitzats representa les visions de Sant Joan descrites en el capítol quart de l’Apocalipsi. Visió del Tron del Nostre Senyor. Apocalipsi de París. (Cap a 1400).

Llegeixo avui a la revista Núvol, que apareix en el meu canal de Facebook, un article de Clàudia Rius, sobre l’espai virtual que utilitza l’empresa Niantic Inc, que està al darrere de Pokémon Go. Es veu que les ones invisibles, a través de les quals ens comuniquem amb els nostres telèfons mòbils, en qualsevol lloc del planeta, ocupen un espai que no és de ningú, o més ben dit, que no era de ningú. En l’era del negoci global, ja hi ha petits empresaris que han començat a treure profit a aquesta aplicació lúdica per a dispositius iOS i Android, i així atreure a més compradors a les seves botigues. De moment, no hi ha legislació possible que impedeixi l’ús de l’espai “eteri virtual”, sempre que no sigui per actes delictius, sempre transversals en la seva utilització. 

 

Crida l’atenció en l’article, el problema que han generat aquestes “simpàtiques i innocents criatures celestials” en colar-se al Museu de l’Holocaust als Estats Units, i on es va demanar als visitants que deixessin de jugar en un lloc tan inapropiat, per la càrrega simbòlica del monument dedicat al record de les víctimes del nazisme. També Change.org, explica Claudia Rius, ha posat en marxa una petició per a zones lliures de pokèmons, per protegir llocs del món considerats sagrats o especials: “Pedimos al Presidente de Nintendo que regule el uso del videojuego en aquellos espacios públicos, que por su sensibilidad humanitaria, social, sanitaria, religiosa, de seguridad, estratégica o artística, son especiales”. 

Seguint amb la meva recerca híper moderna i ràpida, recorro a la Viquipèdia per trobar la definició de realitat augmentada que és la tecnologia utilitzada per l’aplicació Pokémon Go: La realitat augmentada (RA) és el terme per a definir una visió directa o indirecta d’un entorn físic en el món real, els elements del qual es combinen amb elements virtuals per a la creació d’una realitat mixta a temps real. La qual cosa, em fa pensar en el turisme global que també dóna grans beneficis econòmics a gent de tota mena i, per què no? Em penso que és una altra realitat mixta, la de l’espai real i els seus habitants barrejada amb l’efímera virtual dels visitants. A la fi, també es poden banalitzar certs llocs representatius del passat, quan els visitem per passar l’estona entre altres activitats de lleure. Tot es mescla, i en el curt viatge de plaer, només deixaran empremta aquelles coses simbòliques de les quals coneixem amb antelació el seu profund significat. 

 

Sense anar més lluny, llegeixo també a la xarxa, una proposta de lleure d’una empresa turística de Tarragona, que diu així: Revisant l’Imperi Romà. El tour proposat et portarà en autobús o minibús de lloguer per la ciutat de Tarragona, travessant els vestigis romans dels voltants de la ciutat. La teva ruta per Tarragona t’aproparà a runes romanes amb molta història i inclús a un aqüeducte que no va caure en desús després de la caiguda de l’Imperi Romà. Per als aficionats de la història i la història de l’art de l’època romana. 

 

Bé, som davant d’un text habitual en la cultura turística, que en certa mesura ho sintetitza i banalitza tot. La història es presenta aquí com una afició, per alleugerar una mica els compromisos del dia a dia de la nostra vida. Dues de les “joies arquitectòniques” del passat romà que ens ofereix aquesta visita turística, són l’Amfiteatre i el Circ. Tocant a l’Amfiteatre hi ha instal·lat un cartell que compleix la funció de memorial per les víctimes cristianes, que van patir martiri i mort en aquest lloc tan “emblemàtic” de la cultura romana. Els fulletons que acompanyen la visita també parlen d’aquest fet. Com més ens allunyem d’alguns fets inserits en la cultura de violència, menys ens afecten, i és més fàcil obviar-los o minimitzar-los. 

 

L’Amfiteatre de Tarragona es presenta com l’espai de l’horror que van patir les persones que formaven part de la ideologia cristiana. L’Església Catòlica encara roman com una ferma institució que representa a una gran part dels cristians del món. Per la qual cosa, es conserva la memòria del suplici. Però, no només els cristians van ser massacrats en tots els Amfiteatres del món romà, també els esclaus, els dissidents polítics i els estrangers. Per a aquest grup, ja no hi ha record. Potser algun Pokèmon està esperant a ser caçat, mentre gaudim de la visita d’aquest recinte amb vistes al mar. Em penso que a ningú li importarà, perquè els símbols també perden els seus significats. Tot plegat, possibilita crear nous espectacles d’animació festiva sobre les lluites dels gladiadors condemnats a esperar una mort segura. És la representació falsa de la història, per a glòria d’una ciutat que intenta viure d’un passat que no reconeix. 

 

Els memorials dedicats a les víctimes de la cultura de la violència perden el seu sentit, si no se’ns ensenya, o no se’ns permet massa, a veure alternatives a l’ús de la força. La majoria dels conflictes que travessen la història no han estat mai resolts, vivim contínuament en un armistici que confonem amb la pau. 

 

I així, en aquest dolç estiu de “pau”, per causa dels errors de localització del GPS, que han patit les primeres versions comercials de l’aplicació de realitat augmentada de l’empresa Niantic, un pokèmon entrarà en contacte amb nosaltres al menjador de casa, per anunciar-nos un món de goig i entreteniment. 

“Ya veréis cuando cambie”

© Tomás Pariente

La horrible gloria de los días modernos.

Álvaro Sánchez

 

Mi obra es una visión muy personal sobre la fragilidad del ser humano, es decir una reflexión acerca de la condición humana, es una celebración dedicada a nuestros errores y a las desgracias que nos recuerdan el ser imperfecto y finito que somos. Quiero que la persona que vea mi trabajo experimente algo similar a esa sensación que queda al terminar de oir una canción de punk a todo volúmen. 

“Bestia coronada”

© Álvaro Sánchez

“Cordero”

© Álvaro Sánchez

Juan Carlos Lozano, "Lavatorio"

Lídia Porcar

 

Juan Carlos Lozano durante la acción “Lavatorio” en La Grey  ©Paco Soriano

“Lavatorio” de Juan Carlos Lozano, fue la primera performance del ciclo Corporeidad y resistencia. Una acción con marcado carácter de resistencia en la que el artista explora, a partir de las abluciones preparatorias del rezo, el hecho totalitario impuesto por la religión. En el judaismo el lavado ceremonial solo es obligatorio cuando se tiene contacto con algo impuro. Así mismo en el cristianismo, solo se realiza durante el bautismo. Es por ello que Juan Carlos utiliza la ablución menor del mundo musulmán, llamada wudu, ya que concentra en la misma, los lavados ceremoniales de todas las religiones del Libro.

 

En Lavatorio, el agua purificadora se convierte en sangre, elemento impuro, tanto tanto en el Islam como en el judaismo, y tal como dice Juan Carlos Lozano en los textos introductorios de su acción “.... esta limpieza purificadora y cultural, llevada a extremos diferenciadores que provocan los no encuentros y nos llevan a confrontaciones con trágicos desenlaces”.

 

 

 

¿Juan Carlos, siendo como eres un artista multidisciplinar y con un trabajo artístico extenso, me gustaría saber cuando empiezas a interesarte por el arte de acción?

Mi interés empieza en mi época de estudiante en la Escuela de Arte y Diseño de Tarragona, y estamos hablando, más o menos, del año 1984. Yo estaba matriculado en el itinerario de pintura, pero con otros alumnos del curso, empezamos a desarrollar acciones sobre los conceptos que más nos interesaban de las clases de historia del arte. 

 

Entonces, fue una iniciativa de estudiantes con mucha curiosidad. ¿Pero, estabais influenciados por algún artista de vuestro entorno?

Si, nuestros inicios con la performance formaba parte de las ganas que teniamos de hacer cosas diferentes. Por aquel entonces, en Tarragona no había nadie que se dedicara al arte de acción. 

 

Observo en tu trayectoria artística, que siempre has estado trabajando en este medio. Háblame un poco de lo que encuentras en este ámbito de expresión

Durante todos estos años, he ido trabajando esporádicamente en la performance, y no ha sido mi único medio de expresión. Me considero un artista multidisciplinar. Los diferentes medios artísticos ofrecen diferentes posibilidades. En mi caso, a veces, necesito expresarme también a través del lenguaje plástico, y es cuando recurro a la pintura, al grabado o a la escultura. Me pasa lo mismo cuando tengo una idea performantica y no necesita un público directo para contemplarla, entonces es cuando la realizo sin público, y es un momento de introspección e intimidad. Algunas de estas acciones las realizo en el campo, como es el caso de “Crisálida” donde convierto un espacio en una tumba llena de hielo. Luego, voy capturando las imágenes de este proceso que se sitúa entre la acción directa, la escultura y los fenómenos físicos en el tiempo de los materiales. 

 

A pesar de tu talante multidisciplinario, toda tu obra muestra un intenso interés por el concepto de lo sagrado y sus diferentes manifestaciones en las religiones monoteístas. Me gustaría que me explicaras esta elección específíca de tu trabajo. 

El concepto con el cual trabajo, más que religioso es animista. Creo que la cultura empieza con ese misticismo, y está representado en las diferentes imágenes halladas en cuevas y otros lugares naturales por todo el mundo, y más tarde, se fue transformando en el pensamiento religioso. Yo hablo mucho de los fanatismos religiosos en mis obras, y en Lavatorio también. Creo que hemos perdido esa intimidad espiritual que todavía se halla en muchos pueblos de África.

 

¿Entonces, Lavatorio es una crítica al dogmatismo del pensamiento religioso?

En esta acción, reflexiono sobre las paradojas del pensamiento religioso, utilizando los símbolos de sus rituales. Una concha contenedora de agua, como símbolo de la religión cristina, las abluciones preparatorias para entrar en la mezquita y el ritual de la limpieza con agua antes de entrar en contacto con la sangre, que utilizan los judíos. Estas religiones tienen una larga tradición también en el uso de la fuerza. Primero el agua que limpia, y luego la sangre que ensucia. Hoy aún se sigue matando en nombre de las religiones. 

¿La acción que presentas en Lavatorio es un ritual? Si así es, entiendo que necesitas un alto grado de atención por parte del público que asiste a tus representaciones. En Lavatorio, a los espectadores no se nos pedia participar, pero si mucha concentración. 

Puede que si, que muchas de mis performances sean rituales, no en vano, estoy influenciado por el accionismo vienés de Hermann Nitsch, ya que fui asistente junto a otros, en algunas de sus acciones. Y hablando de la participación, he de decir que no me ciño a un método concreto. En Lavatorio no estaba prevista la participación del público, pero en otras acciones si. También realizo otras en las que necesito la ayuda indirecta de los espectadores para poder desarrollarlas. 

 

¿Es importante para ti que el público conozca el significado de los símbolos que utilizas?

Si es importante, porqué si el público no entiende la acción, no puede reflexionar sobre lo que está pasando. Siempro intento dar recursos a los que van a presenciar mi trabajo, me parece imprescindible. Lavatorio, a mi modo de ver, tiene un contenido bastante claro, el de cambiar el agua por la sangre. Si conoces los elementos con los que trabaja el artista, es más fácil entrar en un terreno meditativo sobre lo que estás viendo. 

 

Sigamos hablando del público a quien van dirigidas tus acciones y como controlas el tiempo en la actuación. ¿Dejas espacio a la improvisación, al suceso, es decir que acontezca alguna cosa que no tenias prevista?

Yo quisiera diferenciar happening de performance. En el desarrollo de un happening está establecida la participación del público, también dentro de unas pautas, pero sin esta acción participativa no existe el happening. En el caso de la performance, y así es como trabajo yo, todo está pautado, controlando el ritmo en el que sucede la acción. Controlar el tiempo de la acción, para mi es muy importante. Tiene que haber un tiempo concreto para que el público no pierda interés en el suceso. 

 

Juan Carlos Lozano es un artista que está influenciado por los rituales del accionismo vienés, pero también por ese espacio espiritual ancestral que halló en un largo viaje que realizó por África. Sus acciones hablan de un espacio espiritual que emerge desde lo personal hacia lo colectivo. Lavatorio es una performance que habla de los abusos que cometen las instituciones religiosas, al manipular las emociones y apropiarse de las preguntas que se hace el ser humano sobre el sentido de estar en el mundo. 

Anatomía del territorio

Rubén Perdomo

 

© Rubén Perdomo

El paisaje urbano trasncurre en una delicada línea de coherencia “espacial” que puede afectar de forma negativa o positiva en su zona de actuación ante el habita de los usuarios y, en este punto, es donde muestra la visión del fotógrafo Rubén Perdomo con diferentes fotografías donde el paisaje, el espacio y crecimiento urbano actúan de forma dispar. Rubén Perdomo fotografía la ruina, lo inhóspito como el rastro que deja el ser humano de aquello que dejamos cuando nos vamos.

La regresión de las especies

Rosa Brugat

 

© Rosa Brugat

El psicólogo Nicholas Humphrey nos habla de inteligencia social, nuestro cerebro por el hecho de pertenecer a una comunidad se desarrolla o evoluciona diferentemente de los individuos que viven en aislamiento.

 

¿Sería posible una regresión de las especies?... Todos asumimos y presumimos de nuestra evolución del hombre de Neanderthal a homo Sapiens (según los paleontólogos, el homo sapiens es nuestra rama más directa) pues bien recientemente se ha descubierto que hay hubo un cruce entre los dos. Los Sapiens vivían en África y se expandieron al resto del mundo donde sin duda se mezclaron con los Neanderthal.

 

Por supuesto, no estoy pensando que haya apareamiento (zoofilia) con descendencia entre humanos y animales ya que esto no es posible... pero la transmisión de virus y bacterias es un hecho, el sida fue transmitida por error humano a través de un chimpancé, la gripe aviar o la gripe del cerdo es una transmisión de animales a humanos. Esto es solo un ejemplo de lo que puede llegar a pasar. Según Werner (Premio Nobel) las especies no tienen porque evolucionar, se adaptan al medioambiente.

 

El medioambiente también puede producir una regresión de la especie humana. También afirma que hay especies en este planeta que si las dejáramos pueden evolucionar superándonos.

 

Mi intención es hacer unas calaveras humanas deformes que proyecten imágenes dentro de su cráneo, donde podamos imaginar que es posible una regresión... guerras, pérdida de valores, esclavitud...

 

Quizás hay que pensar que la regresión avanza más que por la vertiente material, por la destrucción del alma...

El apocalipsis es mi tiempo

Dani Serrano Montoro

 

“Somos ateos que creemos en nuestros dioses particulares, endiosamos el presente con la esperanza de que resulte eterno.”

Decía Sagan: ‘’Somos el medio para que el cosmos se conozca a sí mismo’’, ¿pero es qué acaso no nos hemos escindido del mundo? ¿Es cierto que queramos conocer el universo? Solo existe el hombre. Aquel que ya sólo puede comprender el mundo desde su singularidad, se condena a sí mismo como individuo. Asevera sin hacer uso de palabras, que sólo existe él, el individuo, que no hay nada más allá del hombre, y que cuando muramos, el mundo desaparecerá con cada uno de nosotros; el planeta no depende de nuestra extinción para sobrevivir, pues tras nuestro aniquilamiento, el mundo acaba con nosotros, o así lo creemos; hemos creado un demonio muy sabio. Si la nada más absoluta no se apodera del mundo, será porque el hombre persevera en su intento desesperado de seguir existiendo sobre él. El hombre y su mundo o la nada, de esta manera el ser se afirma como imprescindible.  

 

El fin es la extinción de mi tiempo. Me hallo transitando a lo largo de días que acontecen sin la menor variación, que se relevan unos a otros a pesar de mi insistencia por mantenerme quieto; siento que me llevan con ellos, pero sin ir a ningún lugar. El movimiento estéril me socava, produce un agotamiento que adopta rápidamente la forma del sueño; pretende sumergirme en una profunda ausencia. Veo cuerpos que simplemente se mueven, transeúntes, como el de un sonámbulo. La oscuridad del sueño absorbe la vivacidad, se podría decir que se alimenta de ella. Adoptamos unos ritmos que  no podemos soportar a causa de la insuficiencia del tiempo que disponemos. No hay un momento de pausa, necesitamos un respiro; nunca dejamos de hablar de nosotros mismos, de pensar quién somos, de trabajar; me pregunto si no valdría más la pena que la luz del día no penetrara en la oscuridad del sueño. ¿Es qué acaso el tiempo no influye de manera determinante sobre nuestra comprensión del mundo? Lo que me lleva a la  pregunta: ¿De qué trata la existencia, de la muerte, de la vida o de la salvación? En el fondo son concepciones del tiempo: una vez muertos no existe el tiempo, durante la vida el tiempo es perecedero, y si uno consigue la salvación perdurará eternamente.

 

No existe razón para suicidarse, pues ya estamos muertos, es lo que diría cualquier pesimista. Sea lo que sea que signifique eso, llegados a ese punto, lo que debería importar es la vida o la salvación. Si como decíamos, se acepta  que no hay posibilidad para el individuo más allá de él, tampoco habrá lugar para la salvación, lo que nos condena irremediablemente a la vida; así que de lo único que se trata es de cómo se la vive. Saber cómo vivimos se traduce en cómo nos pensamos; una vida no existe si no puede ser descrita, así habla el pensamiento que encuentra en esa formula la justificación para decirse a sí mismo que está ahí. El pensamiento tanto como la vida, tratan de permanecer provechosos durante el mayor tiempo posible; además en lo concerniente al ser humano, el pensamiento, como la propia vida son cada uno un pie de eso que llamamos existencia, son las dos caras de una misma moneda; se hallan indiscernibles. ¿Pero acaso el pensamiento dedicado exclusivamente a servir útil no se encuentra privado de vida o inánime? El hombre que se comporta meramente como un instrumento o que ve en la reflexión algo fútil se ve doblegado ante la misma muerte. Así es como se satisface la vanidad del pesimista, se siente premiado.

 

Tan despreciable se muestra la muerte, que parece  satisfacerse  castigando al hombre, lo destierra del paraíso y lo envía con su fiel servidor. El demonio en el siglo XXI se manifiesta en forma de tiempo y su reinado se extiende sobre la tierra de los hombres. El tiempo cual verdugo,  nos mantiene impotentes ante la aniquilación que trae consigo. No podemos hacer nada contra él, no podemos evitar el deterioro, es nuestro castigo. Se podría decir que estamos muertos desde el primer momento en que pensamos que la salvación no es posible, compartimos rumbo con el desgraciado Sísifo; aquel que podía  desplazarse ilimitadamente, pero la roca que llevaba consigo seguiría eternamente en el mismo lugar. Una vez que el rey demonio nos atrapa en su seno, la inmediatez del momento regirá nuestra conducta, nos condena a la vida estéril.

 

El hombre singular no quiere entenderse con la historia, cree que no juega un papel determinante para comprender su contemporaneidad, sólo tiene cabida  para la concepción totalmente estática de un presente inmediato. Ese demonio  impide ver a los hombres más allá de sí mismos, les obliga a olvidar qué el momento es perecedero, y lo peor de todo: impide concebir una realidad diferente a la legitimada por los ritmos que impone el consumo. Estamos realmente vivos en este momento pero, ¿no sería adecuado pensar que nos precipitamos inevitablemente hacia la muerte eterna, la nada más absoluta, y por ello pedimos la salvación a cada paso que damos? He visto a hombres precipitándose al vacío cegados por el ínfimo deseo de satisfacer una vida corriente, abocados ante la inminente destrucción que presupone la caída, les basta con salvarse. Me pregunto cómo se puede empeñar la vida a cambio de la salvación, lo que me lleva a pensar que nos despreciamos. Somos ateos que creemos en nuestros dioses particulares, endiosamos el presente con la esperanza de que resulte eterno. Nos hemos negamos a ver que en todo momento presente existe la presencia del vacío, pues no se lo puede aprehender, resulta efímero y resbaladizo. Es precisamente lo fútil de la existencia  lo que no da pie a situarse fuera de la historia como si ésta no fuera con nosotros. Es la historia la que permite edificar al hombre. 

                                              

Sólo un sujeto que se sienta integrado en la historia podrá transformar radicalmente las circunstancias del mundo que le ha tocado vivir; es decir, es el individuo consciente de su insignificancia histórica el que es capaz de sublevarse, porque sabe que si se mantiene al margen completará el recorrido histórico en el que se halla casi por azar. Hemos nacido ahora como lo podríamos haber hecho en cualquier otro tiempo, y es precisamente ese azar lo que nos devuelve a la insignificancia del ser precisamente humanos. No por ser sujetos condenados a sufrir el curso histórico en cualquiera de sus formas, debemos resignaros a ello, sino que es por ello mismo, lo que nos debe hacer tomar parte en la historia, y definirla de ahora en adelante como nosotros consideremos. Puedo imaginar una mágica comunión espontanea en que se aúnen todos los lamentos de los que sufren, y sería sobradamente suficiente para que el mundo conocido salte por los aires; pero el terror al desconocimiento nos mantiene perfectamente cuerdos. ¿Qué nos queda, la revolución o la muerte? ¿Es qué acaso no hemos enterrado ya el devenir del hombre? La elección cae por su propio peso, la vida en la tierra se ha tornado inánime. El hombre y el mundo no son cuestiones que merezcan ser separadas. 

Out of time

Marcel Pey

 

OUT OF TIME

FLUEIX EL FUTUR

FONT DE LLUM, RENEIXEMENT

LABERINT DE NEÓ

LLAMPECS D’OR

EUROPA MOR

NO HI HA ESPASES A ROMA

NI ÀNGELS SOBRE BERLIN

VEN-ME L’INFERN

I LES PROMESES DE VIDA ETERNA

FARA DEL TEMPS

COM UNA OMBRA

MOVENT-SE EN UN FLAIX

ESQUINÇANT ELS CELS

ABSORBINT-NE LA FÚRIA

EN UN ABISME D’OSCURITAT.

“Out of time” es un poema perteneciente al libro de Marcel Pey, “The Liquid Dark”, Arola  Editors 2015. Publicado en Corpus Delicti con permiso del autor. ©Marcel Pey. Imagen: “Irma Vep” ©Marcel Pey 2016

Isabel León, la enorme carga del individuo

Antonio Luque

 

Conocí a Isabel León a través de Paquito Nogales, desde el principio existió una comunicación muy fluída entre Isabel y yo, que culmino en la acción “Hatillo” realizada para la presentación del número 0 de Corpus Delicti. 

 

Considero a Isabel una de las grandes performers que hay en España. Recomiendo a los lectores que se internen en su canal de Vimeo, https://vimeo.com/isabelleon, y disfruten con la serie de video-performance que está realizando la artista bajo el título “International day”. Hablar con Isabel es siempre un placer, considerarla una amiga, mucho más.

Isabel León durante la acción “Hatillo” en La Grey  ©Eva Jolis

Cuando asistí a tu acción “Hatillo” en The Grey Square, me sentí emocionado por varias cosas: el concepto de la misma,  el esfuerzo en la realización, pero sobre todo, la distancia formal de tu acción vs. la performance teatralizada, tan común en estos días donde abundan los performers que buscan sobre todo imágenes estéticas en sus acciones fuera del aspecto conceptual. ¿Crees que la popularización de la performance en general puede ir en detrimento del arte de acción?

No creo que una performance con una fuerte carga conceptual esté reñida con el aspecto plástico o estético, de hecho para mí éstas son las acciones más ricas, las más redondas; lo que cabría discutir ahora es qué valoramos como estético o plástico, qué nos interesa formalmente de una acción... Creo que simplemente los criterios son diferentes a otras manifestaciones artísticas, pero es importante señalar que los performers generalmente ponemos mucho cuidado en estos aspectos, pues es la forma -la manera en la que utilizamos nuestro cuerpo, los elementos, el espacio y el tiempo- lo que construyen la acción. Si lo único importante fuera el aspecto conceptual sería suficiente con contar la idea (como ha hecho en muchas ocasiones el gran Valcárcel Medina). 

 

Se habla mucho de teatralización en el mundo de la performance, muchas veces desde el rechazo, y esta es una actitud con la que no me siento identificada a pesar de que mi trabajo huye de ella (en un sentido clásico y simple). Creo que es contradictorio ser ortodoxo respecto a la performance, ya que una de sus más maravillosas cualidades es esa capacidad para acoger aquellas prácticas artísticas que no encajan en una disciplina concreta. Quizá la clave, o lo que a mí más me interesa de la performance respecto al teatro, es esa parte de “verdad” (palabra demasiado grande para decirla alegremente), el trabajo del performer siendo él mismo y no un actor interpretando un papel. Del mismo modo que me interesa especialmente el carácter no narrativo de la performance y el (aparente) sinsentido. Pienso que existen muchísimas conexiones entre ambas disciplinas, y que habría que conocer bien el teatro (en su amplio espectro) para poder rechazarlo (o no) con criterio.

 

Aún así, después de muchos años viendo acciones he llegado a la conclusión de que la presencia del artista es lo que hace que una acción me atrape o no; es algo difícil de explicar, pero tiene que ver con esa “autenticidad” y consciencia total en el aquí y en el ahora; ese “Estar” con mayúsculas, ese exponerse y compartirse sin artificios. Esto es algo que pasa con cualquier artista de cualquier disciplina cuya presencia atrapa, ya sea un performer, un cantante, un bailarín… o un actor.

 

Y volviendo a tu pregunta, me cuestionas si la popularización de la performance en general puede ir en detrimento del arte de acción, y me resulta interesante cómo utilizas los dos términos; “performance”, que parece más popular, mediático, amplio y confuso, y “arte de acción”, que hace referencia a este tipo de performance que se quiere alejar del espectáculo. Pienso que la popularización de todas las manifestaciones artísticas y culturales es buena, y es positivo que cuando se diga la palabra “performance” casi todo el mundo sepa más o menos qué es, aunque en muchas ocasiones esté asociada con un trabajo, como hemos dicho, más espectacular. De alguna manera, esta popularización va abriendo puertas, mentes, posibilidades... después nos queda la tarea de seguir trabajando de la manera que creemos que es la más honesta con respecto a cómo entendemos esta práctica artística, con perseverancia y disfrutando lo que hacemos. Y quiero confiar en que poco a poco podremos llegar a más gente que habrán comenzado a apreciar este lenguaje por el que quizá no se hubieran interesado si no es gracias a ese primer contacto en un contexto más “popular”.

Últimamente he visto varias exposiciones sobre arte realizado por mujeres, donde me ha resultado curioso que la selección cubriera más la condición sexual de la artista y sus relaciones con el/la comisario/a de turno que con la calidad de la obra expuesta. ¿Aparte de la lucha para la visibilidad del colectivo de mujeres artistas, crees que sigue siendo importante hacer estas muestras?

Este es un tema es un poco complicado para mi, pues soy consciente de la discriminación que las mujeres sufrimos en casi todos los campos, especialmente en el profesional y artístico. Por esta razón, pienso que es necesario que se trabaje por una visibilización de las artistas, aunque no tengo claro que ésta sea la mejor manera. Me cuesta entender cómo se puede buscar la paridad a través de la separación… Pienso que es una forma de autodiscriminación; es fomentar la idea de que tiene que haber exposiciones sólo de mujeres para que se pueda ver nuestro trabajo, si no, pobrecitas... no tenemos donde mostrarlo. 

 

Creo que mi posicionamiento depende mucho del contexto, de las condiciones, las circunstancias, etc… Participar en una exposición de mujeres organizada por una institución pública y donde todo el mundo cobra excepto las mujeres que participan, para mí es lo más contraproducente que puede hacer una mujer artista que se respete a sí misma. Algo muy diferente es participar en proyectos independientes, con un trabajo de comisariado serio, y donde haya un respeto por todas las personas involucradas en él. De todas formas, creo que el reto es crear muestras donde no importe si los participantes son hombres, mujeres o transexuales… da igual; personas-artistas donde lo que importe sea el trabajo y donde la participación esté más o menos equilibrada. 

 

Por otro lado, otro problema de esta política de exposiciones de mujeres, es que se invita a que la lectura de nuestro trabajo casi siempre se haga desde una visión de género, como si las mujeres sólo habláramos de ser mujeres, como si esta circunstancia fuera lo más importante que nos define como personas (aunque la intención curatorial no sea ésta). Está claro que el tema de la “identidad” es uno de los más presentes en el mundo del arte, de hecho es necesario reflexionar sobre quiénes somos, pero a veces me cansa un poco ver a los mismos colectivos de artistas hablando de los mismos temas relacionados con su condición “X”. Quizá es que ilusoriamente imagino una sociedad en la que no haya discriminación por género, raza, condición sexual… y este tipo de exposiciones sean innecesarias… quizá lo que sueño y pido sea un poco utópico y aún hace falta que existan.

Todos los que hemos realizado arte de acción sabemos que una performance no es sólo el momento que ve el público, a pesar de ello, las personas asistentes muchas veces creen que están viendo un acto totalmente improvisado. ¿Como desarrollas tu trabajo a partir de la idea base?

Creo que es importante aclarar que no es lo mismo improvisar que permitir que sucedan cosas inesperadas. Esther Ferrer dijo en un taller al que tuve el placer de asistir algo así como que “se puede improvisar sólo si sabes bien qué quieres hacer”. La improvisación pura y dura es muy difícil que funcione como trabajo final que quieres mostrar ante un público; es muy probable que el resultado sea pobre, no tenga estructura ni contenido; quizá aparezcan elementos interesantes, pero le faltaría solidez a la pieza. 

 

En este caso me refiero a la idea de improvisación individual, es decir, a salir frente a un público y hacer “lo que salga”… No es lo mismo que, por ejemplo, trabajar con el concepto de improvisación como eje de un proyecto. Y por supuesto, no tiene nada que ver con la improvisación entre varios artistas en el que se marcan unas pautas y trabajan a partir del diálogo que surge, de esa improvisación; por ejemplo como hacen los músicos de jazz o el grupo de performance The Black Market International.

 

La improvisación obviamente está presente en el trabajo del performer, por ejemplo al realizar ejercicios de los que pueden surgir imágenes, ideas, elementos, etc. que después son rescatados. Y por su puesto, muchísimos performers conciben acciones en la que hay momentos improvisados, pero normalmente dentro de una estructura y un sentido. Es cierto que muchas veces en medio de una acción surgen situaciones, sensaciones o circunstancias que te llevan a cambiar algo de lo que tenías pensado, te ves obligada a improvisar... Esto tiene que ver con la idea de que es muy importante estar abierta a que cualquier cosa suceda, a poder modificar la acción de una determinada manera, y quizá esto pueda considerarse improvisación, pues esa toma de decisión in situ es un acto creativo. Pero la idea de que los performers salimos e improvisamos en el momento de la acción es completamente falsa. 

 

Personalmente, me encuentro en un momento en el que me interesa mucho experimentar, jugar, fluir... Busco ese punto justo entre dar sentido y estructura a un trabajo pero dejar que la acción aparezca, que me utilice ella a mí como medio para ser. Apuesto por la inteligencia de la intuición, y este hecho lo transfiero al proceso creativo, confiando en que son mi presencia y el propio hecho de “accionar” las que dan contenido y valor a cada performance. En este sentido, estoy investigando sobre el concepto de “intuición” o quizá “improvisación”, pero en base a una idea y estructura inicial.

 

Los que te seguimos por las redes, vemos la intensa creatividad que desarrollas en todos tus trabajos. Quisiera resaltar “EXCHANGE Live Art”, que creaste con Ana Matey. ¿Me podrías hacer una breve explicación de la motivación que tuvisteis para crear “Exchange” y en qué consiste?

EXCHANGE se inició por el año 2012 cuando Ana hizo una convocatoria online de intercambio de partituras de performance para ser interpretadas en foto o en vídeo. Al poco tiempo nos pusimos a trabajar en un encuentro en Madrid de varios días en el que participaron casi 20 artistas, con taller, exposiciones y acciones en vivo… una locura. Desde entonces trabajamos mano a mano en este proyecto que crece y evoluciona, y que nos está aportando experiencias muy ricas a muchos niveles.

 

Básicamente, EXCHANGE Live Art (le pusimos el apellido al poco tiempo para aclarar qué es lo que “intercambiábamos”), es un proyecto que investiga sobre la Comunicación, tomando el arte de acción como principal herramienta creativa. Partimos de la partitura (guión, esquema, dibujo) de performance como paradigma de mensaje que es interpretado, y reflexionamos sobre los matices y las posibilidades que rodean a este proceso de comunicación, poniendo el principal foco de interés en el aspecto artístico. También nos interesa poner de manifiesto los diferentes medios que existen para compartir el arte de acción además de la acción en vivo, como son la palabra, el dibujo, la fotografía o el vídeo. En este proyecto es importante para nosotras generar una documentación que incluya estas reflexiones, y no se quede sólo en un experimento (muy rico, por cierto) vivido por las personas que están involucradas, sino hacer un verdadero esfuerzo por comunicar y compartir estas experiencias. Comenzamos organizando varios encuentros, pero nos dimos cuenta de que nosotras también queríamos experimentar esto que proponíamos a otras personas, por lo que hicimos un par de residencias en las que trabajamos juntas bajo estas premisas, una en Sierra Centro de Arte (Huelva) y la otra en Saari Residence (Finlandia). A partir de ahí, corroboramos nuestro interés por seguir investigando y experimentando, aportando nuestra parte organizadora y dinamizadora, pero sin olvidar que lo que más nos gusta es la creación artística, por lo que seguimos organizando laboratorios en los que ambas estamos presentes e invitamos a artistas de diferentes países, trayectorias y generaciones con los que trabajamos en estos proyectos.

 

Personalmente, esta aventura me ha servido enormemente para tomar consciencia de algunos aspectos muy importantes en relación con la comunicación; cómo transmito un mensaje y cómo ese mensaje puede ser interpretado de manera completamente diferente a lo que yo quería decir... y cómo yo interpreto lo que quiero, según me interese o me encuentre (antes más inconcientemente, ahora ya menos…) Ser capaz de entender y aceptar este hecho me ha ayudado a que mi día a día sea más sencillo. El proceso creativo es una metáfora perfecta del proceso de vivir... 

 

Por otro lado, el hecho de trabajar con otras personas, de crear juntas, me ha ayudado a reflexionar sobre el tema de la autoría en la obra de arte; de quién es la idea original, quién la desarrolla, quien la acciona, de quién es la obra finalmente... Todo esto ya no es tan importante para mí; es muy liberador desapegarse de la necesidad de crear “mi obra”. En un proceso de creación colectiva todas las partes son importantes e indispensables; quizá surja una imagen inicial de una persona, y otra la recoge y le da contenido, y entre las dos le dan forma, y luego se acciona entre varias personas, quizá diferentes... es maravilloso. 

 

En tu página de Vimeo, estas colgando una serie de micro-video-performances apasionantes, “International Day”. ¿Crees que el material video de corta duración invita al posible espectador a que se interne en tu trabajo, o crees que las personas que han encontrado “International Day” se quedan en el material corto, sin entrar en acciones de más larga duración?

Mi trabajo como performer se limitaba a las acciones que realizo en vivo en determinados encuentros y festivales a los que asisten un también limitado número de personas. Sentía que estas ocasiones eran muy escasas y que tenía una necesidad de accionar más cotidianamente. Por otro lado, el trabajo de ordenador (organización, gestión, difusión) me estaba robando demasiado tiempo, y si a eso se sumamos que soy una persona que trabaja bajo presión, me di cuenta de que a pesar de que lo que más me gusta es accionar, estaba accionando bastante poco... Así que me auto-impuse una “presión” y decidí empezar una serie que me obligara a crear regularmente (una vez por semana aproximadamente); así comenzó esta serie. Por otro lado, ya que no se trataba de un trabajo para realizar ante un público sino ante la cámara, donde la vivencia es totalmente diferente y la experiencia con respecto al tiempo es diametralmente opuesta, decidí adecuarme a esta circunstancia, y radicalizar este factor como un condicionante creativo: hacer acciones muy cortas, de menos de un minuto. 

Como ves, las mini-video-acciones y las acciones en vivo son tipos de trabajo que, a pesar de que ambos son acciones no tienen nada que ver, y que lo que puede interesar a unas personas quizá no interese a otras. Es cierto que esta serie de acciones son más accesibles (enlaza con lo que hablábamos al principio sobre la popularización de la performance) y sé que están llegando a personas que no han visto ninguna de mis acciones en vivo porque quizá no les interesaría hacer un esfuerzo diferente al que se hace frente a un ordenador menos de un minuto a la semana... Lo que sí está claro es que una acción larga en vídeo es muy difícil de ver, y que normalmente las acciones que están concebidas para disfrutarse en vivo, sentirlas, olerlas, rodearlas, escucharlas... es un arte de la presencia, es un arte vivo. 

 

Quizá la serie “International Day” despierte el interés por mi trabajo de personas que no lo tenían, y la próxima vez que haga una acción en vivo tengan curiosidad por ir a verla... No me parece mal que a unas personas les guste unas cosas y otras no, es normal. Yo entiendo que no estamos educados para ser público de performance, y que requiere un esfuerzo y un “entrenamiento” que no todo el mundo puede o quiere hacer. También es probable que personas que hayan visto mi trabajo en vivo sientan un rechazo por esta serie de acciones para vídeo, que no les interese este formato. Yo sólo puedo hacer lo que me haga sentir mejor, y la verdad es que estoy disfrutando y me ilusiona trabajar en esta serie, me lo paso bien y me estimula mucho.

 

Este primer número de Corpus Delicti, lo hemos titulado “Apocalipse Please”. Pensando una frase que dijo Stanley Kubrick, “La espera del final se puede hacer eterna, lo verdaderamente breve y tranquilizador es el Fin”. ¿Dónde situarías tu propio Apocalipsis?, ¿Qué crees necesario que llegue a su final para resolver la situación actual de nuestras sociedades?

Es muy interesante el tema que habéis elegido y concretamente esta frase de Kubrick, pues es un planteamiento opuesto a como yo entiendo, por ejemplo, la creación artística y también la vida misma: No me interesa tanto la obra, el resultado, el objetivo, el fin... lo que realmente disfruto es el camino, el proceso... Él lo llama “espera”, yo lo llamo “vivir”. Así que yo no sitúo mi propio Apocalipsis en ningún lugar, ni siquiera en la muerte, pues no creo en ella como algo que marca un fin de algo, sino como un cambio de estado. Simplemente creo que no existe ni existirá el Apocalipsis. 

 

Al mismo tiempo, a veces siento que hace ya unos años estamos inmersos en un largo y agónico Apocalipsis… Todo se está desmoronando, hay mucho sufrimiento y destrucción… Ya no sabemos ni qué pensar ni qué creer… Quizá estemos llegando a ese final del que habla Kubrick que nos dé descanso y paz (aunque no está siendo para nada breve). Sin embargo, no puedo evitar ser positiva y sigo creyendo que la situación actual de nuestras sociedades puede mejorar a través de un cambio de consciencia individual, que poco a poco se expanda a lo universal, y así se dará paulatinamente el final de tantas situaciones que provocan sufrimiento. De hecho, creo que está sucediendo ya; creo que paralelamente a todas las cosas malas que vemos (porque nos las cuentan y muestran constantemente) se está dando un cambio de paradigma en la manera en la que muchas personas están viviendo, apostando por el amor frente al miedo. No creo que la solución a los problemas requiera finales radicales; pienso que las cosas, para que cambien de verdad, requieren tiempo, y todo se está dando... poco a poco.

Isabel León durante la acción “Hatillo” en La Grey  ©Eva Jolis

 

Empapado por fuera

Àngel Pomerol

Empapado por fuera es un poema objeto de Àngel Pomerol, realizado para “Corpus Delicti 1, Apocalipse Please” en edición de 80 ejemplares, númerados del 1 al 80, y firmados por el autor. Impresión digital sobre papel químico autocopiativo amarillo.

Contemporary Savageryy

Jorge Manilla

 

© Jorge Manilla

La violencia del latin Violentia

Para algunas personas la violencia es una prueba  viviente de que el hombre es un salvaje ... para los demás es el camino de la civilidad. Independientemente de nuestra comprensión o apreciación del tema, lo único que podemos estar seguros es de que la violencia es parte de nuestra naturaleza humana.

 

Mientras estaba en el proceso de investigacion para este proyecto, me di cuenta que los seres humanos la mayoria del tiempo se relacionan entre sí y se motivan a través de sus emociones crudas y salvajes . Por ejemplo: el miedo, la pasión, los celos, la cobardía, el dolor, el rencor, rencor tristeza, e incluso el amor son conceptos que están enterrados dentro de las causas de la violencia. Esta gama de emociones diversas, racional e irracional, son las razones por qué la violencia se convirtieron en la fuente de inspiración para mi trabajo.

 

En mi investigación artística, decidí no trabajar literalmente con la violencia, sino con pensamientos violentos, sentimientos y recuerdos. Exploro en qué momento nos convertimos en una víctima y en qué momento somos los victimarios? Como resultado, he hecho  objetos no obvios en los cuales encuentras formas atractivas-no-atractivas imágenes sorprendentes y aterradoras. He creado la perfección imperfecta, imágenes negras que reflejan como un espejo nuestra realidad imperfecta. Mis materiales  crean escenas, explosiones cataclísmicas que parecen derretir los objetos.

 

Al final, mis objetos ya no son sólo materiales y formas distorsionadas, sino mas bien  sentimientos  disecados, recuerdos rotos y los órganos secos que revelan un alma desnuda y la fragilidad de nuestra situación.

 

 

For some people violence is living proof that man is a savage… for other people it is the road  to civility. Regardless of our understanding or appreciation of the subject, the only thing that we can be sure of is that violence is a part of our human nature.

 

While researching for this project, I found that most of the time humans perceive, relate to each other and are motivated through their raw emotions. For example: fear, passion, jealousy, cowardice, pain, rancor, bad blood, sadness and even love are concepts that are buried within the reasons for violence. This range of diverse emotion, rational and irrational, are the reasons why violence became the source of inspiration for my work.

 

In my artistic research, I decided not to work literally with violence but with violent thoughts, feelings and memories. I explore In which moment we become a victim and in which moment we are the victimizers? As a result, I have made troubled objects in non-attractive shapes with surprising and frightening images. I created the imperfect perfection, black images that mirror and reflect our imperfect reallity.  My materials create cataclysmic scenes, explosions that seem to melt the objects.  

 

In the end my objects are no longer merely materials and distorted shapes but rather dissected feelings, broken memories, and dry organs that reveal a naked soul and the fragility of our situation.

a,by

Pere Español

 

Sempre m’ha interessat com estan fetes les coses més que l’aspecte que tenen. Són les coordenades de la manera en què les coses estan fetes el que m’agrada. Estic interessat en la vida quotidiana doncs és el que hi ha. No hi ha cap obra meva que tingui el seu origen en la iconografia històrica. No es basen en el que he vist sinó en el que he sentit. Vull que les meves imatges tinguin dues claus, una que te ha veure amb la manera en què estan fetes i que és més secreta, i l’altra que permet aproximars’hi més fàcilment i es pot relacionar inmediatament.

b © Pere Español

Hoy ya nadie vive en mí

Sara Berga

 

© Sara Berga 

Fotografía: Anna Solé

Abro los ojos. Soy una casa abandonada. Todo estaba preparado para vivir en mí, pero la vida nunca llegó. Hoy soy sólo el recuerdo de la promesa de todo lo agradable, bonito y cálido que nunca llegó a suceder en mi dulce hogar. Soy un espacio grande y frío, escombros y desechos como únicos habitantes.

 

Me siento desconcertada, invadida por la Soledad, así, en mayúscula. “Esto es lo que soy”, me digo una y otra vez hasta acostumbrarme, y, más tarde, confundirme con ella. Nadie me dijo cómo sobrevivir estando vacía.

 

Aparece alguien. Es un hombre. Viene a sustituir a los que no están, los que nunca llegaron y los que se fueron. Me acicala, me cuida, me arropa, me quita los escombros. Yo confío en él y él se preocupa por mi. Esto es amor, ¿verdad?

 

Mentira.

 

Me acicala porque quiere usarme. Me cuida porque me quiere en perfecto estado, me arropa porque me quiere caliente . Me quita los escombros para que no vea que él también está lleno de ellos. Yo pienso en él; él piensa en él.

 

Soy una prisionera de mi propia fascinación; él me atrapa en mi inocencia de niña, y cuando me tiene yo hago y digo y pienso y le doy cada pequeña cosa que me pide: ¿un beso? Un beso. ¿Una tarde? Una tarde. ¿La virginidad? ¿Qué es eso?

 

- Yo te lo explico, niña mía. Te gustará. Son cosas que las otras niñas no saben, ya verás. Te lo explico porque tú eres especial, más madura. Por eso no puedes explicárselo a nadie. No te entenderían. ¿Lo ves? Son malos, no les hables nunca más. Muy bien, mi niña. Ahora eres sólo para mi. Voy a enseñarte más cosas, ven, te gustará.

Me doy cuenta de lo que pasa. A la soledad y la mentira se le suman la culpabilidad y el remordimiento. ¿Qué he hecho?

 

Más emociones: de nuevo desconcierto, vacío e indefensión. Todas se mezclan y me arrastran a lo profundo. No sé quién soy. No sé qué ha pasado. Me odio. Me ahogo. No entiendo. Me rompo. Caigo. Si no sé a dónde voy, para qué seguir andando.

 

Pero sí que sé a dónde voy: voy donde me han dicho. Al camino del silencio, con la cabeza gacha, mirándote los pies. El camino del “no te quejes que hay otros que están peor”. Sí señor, sí señora.

 

Soy un espejo. Me atravieso. Y desde dentro, me pregunto: ¿quién soy, entonces? ¿Quién quiero ser, entonces? Y me hago estas preguntas a voz de grito en la soledad de la oscuridad de lo profundo de mi ser más allá de la lejana superficie del espejo, y nadie responde.

 

Así que me dejo morir.

 

Entonces entiendo. No sé quién soy, pero sé quién no soy.

Desnuda, abro los ojos de nuevo. Levanto la cabeza y veo, caminando a mi lado, cientos como yo. Cada uno con su gran saco de miedos, rabia y culpa. Me sorprendo, ¡no estoy sola!. Miro otra vez alrededor. Ahora sonreímos todos, nos damos las manos, nos agarramos bien fuerte. Estamos todos asustados, pero el coraje es contagioso. Nos quitamos los sacos de la espalda y los colgamos en la pared, decorando nuestra nueva vida. Hemos encontrado a los otros, y ahora tenemos muchos nombres: Sara, Anna, Paloma, Esther, María, Mireia, Raúl, Ángel, Pedro, Aurora, Leo y mil más.

 

En la casa, la sombra, tranquila, alegre, por fin descansa bordada en las paredes, a la luz del camino recorrido.

​Víctor de Miután

Comunicado de las Naciones Unidas

Àgit

 

COMUNICADO DE LAS NACIONES UNIDAS

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Reykjavík, Islandia. (Sede accidental) 12/12/2085

 

 

___________________________

 

 

 

 

LA AUTODESTRUCCIÓN: PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD

 

 

 

 

Invitación a despedirse de la especie de la que formamos parte.

 

 

 

Nuestra inconsciencia ha provocado que nos extingamos totalmente por haber destrozado un entorno natural que, hasta ahora, había sido muy poco hostil.

 

Los progresos de la civilización occidental sólo han servido para globalizar una sociedad industrial alienadora y para autodestruirnos: Sin parar de hacer guerras cada vez mayores, hemos acabado agotando completamente nuestros recursos naturales. Los rayos del Sol ya casi no penetran la creciente capa de contaminación y de polvo radiactivo que han generado diferentes conflictos nucleares; el aire es irrespirable, solo queda agua potable para unos meses.

 

En lugar de habitar la Tierra respetuosamente nos hemos esforzado en hacer que no pueda albergar vida nunca más.

 

La Organización de las Naciones Unidas no lo ha podido evitar.

 

La humanidad ha conseguido algunos importantes hitos que no ha sabido compartir entre todos los pueblos y los individuos que la componen, pero, los progresos que beneficiaban unos pocos, sí comportaron consecuencias fatales para la vida en el planeta y la continuidad de la especie que no hemos parado a tiempo.

 

La Asamblea General de las Naciones Unidas ha llegado a un acuerdo unánime para crear un gran evento de despedida del género humano en Islandia, el único territorio que todavía conserva una logística necesaria y donde el medio ambiente aún no es letal.

 

Se dispondrán todos los recursos y los medios económicos existentes para que las personas que quieran asistir accedan gratuitamente a todos o alguno de éstos cuatro acontecimientos sucesivos durante los siete últimos días de éste año:

 

(a) Un banquete festivo que representará la gastronomía de todos los pueblos de la Tierra.

 

(b) Una celebración recreativa libre donde quepa el conjunto de las artes y de todas las formas de entretenimiento y evasión.

 

(c) Un encuentro que tenga como objetivo la reflexión, de lo que nos pueda haber llegado a ésta situación, y también sobre la posibilidad de alguna intervención exterior que salve la especie, asociable a (d) una cuarta convocatoria en la que se podrá acudir a oficios de todas las religiones de los presentes.

 

Se facilitaran los medios de transporte para trasladar a todos los que lo deseen.

 

Se invertirá el limitado número de alimentos que estaban en reserva y el 80% de la totalidad del agua no contaminada que queda en el planeta para despedirse dignamente, hasta que la vida sea viable para los asistentes.

 

Se pondrán a la disposición de todos los analgésicos y paliativos que se requieran hasta agotar existencias.

 

 

Cuatro convocatorias bajo un común denominador:

El fin de la humanidad por méritos propios.

 

Lamentarse ahora ya no sirve de nada.

 

Nunca más volveremos a destrozar un planeta que agradecerá nuestra desaparición.

 

Sólo queda despedirse.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Estáis todos invitados.

Corpus Delicti es una publicación dirigida por Antonio Luque bajo el apoyo de La Grey.

Todas las imágenes y textos aparecidos en la misma son propiedad y responsabilidad de sus autores. 

Corpus Delicti. Sant Llorenç, 3. 43003 Tarragona.

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